李可染先生山水画技法讲义：构图、形象、层次、气氛、色彩、笔墨

齐山 · 发表于 2015-12-18 20:29

   李可染先生山水画技法讲义：构图、形象、层次、气氛、色彩、笔墨

   （一）构图：

      画画前，先酝酿情绪，再设计方法。对风景对象将信将疑，意境还不十分鲜明的时候，坐下来慢慢细看，有时会得到启发。我画《鉴湖》就是如此，本来兴趣不很高，定下心来凝视，饱览？看，想到古人所说：“湖光如鉴”，觉得有所启发，意境酝酿得比较成熟了，经过组织加工，终于画成了一幅画。古人说：“万物静观皆自得。”成见往往使人听而不闻，视而不见。仔细观察，心要像明镜一样，你就会发现一切景物都生意盎然。所以画画之前静下心来，仔细观察很重要，心情烦乱是没法画好画的。
   顶好的构图，要“似奇反正”。古人说，“既得平正，须得险绝”。构图要极尽变化，大胆组织变化，但又要求稳定。只奇不正，就有不稳定的感觉。要正重见奇，奇中见正。要两条腿走路，矛盾中求统一。八大山人的画，构图很奇，但又有庄严的感觉。画面上，主要的东西，一定要给适当的位置。一般说来，主要的东西，不要放在正中，要靠边一些，但又要使人感到，整体画面的平衡；形象地说：“要像秤，不要像天平”。在风景画里，一般地说，树比山分量重，人造物比自然物重，人比一切重。懂得这个，对构图是很有帮助的。
   善绘画，要求“大”和“多”。所谓大，是感觉大。多，是东西多。因此，构图要善于穿插，要往深处发展，不要平铺对垒。《清明上河图》绝不是仅往两边伸展，同时也很注意深度，往深里发展。石涛的画，很讲究穿插，利用中景，使画面能透出去。四王的画，就常常是，一层层地往上叠，空间的感觉就比较弱。任伯年很会构图，有的画几棵树占满了画面，下面画上人物，穿插得很好，很奇。我画嘉定大佛，把大佛几乎画满了整个画面，再利用周围的角落画上树、石级、江水、行船等，这就不仅使主题突出，而且画面也丰富起来了。
   艺术，一定要讲求形式。有人怕讲，以为就是形式主义，这是一种误解。要区别，为表达主题讲求形式，与为艺术而艺术的形式主义。构图上的一些规律，是要注意的。譬如，画面上前后两个人的头正相叠上，三棵树交叉于一点等，这些都是要避免的。黄宾虹先生说：“他从中国书法、绘画中，得出构图规律的奥秘，是不等边三角形”。这实际上，就是变化统一的规律。艺术上，美的抽象的规律，往往是最高的境界。规律中，有一条最重要的规律，就是自然。矫揉造作，永远是要避免的。不要把“奇”，理解为矫揉造作。

   （二）形象

   艺术形象，要求精神。艺术形象，不是把普普通通的、电影摄影师，对着嘉陵江自远而近，自近而远的行船，可以摄下几百个不同的镜头，但取其中最美的只有几个。一张画，还要有最精粹之处——所谓“画眼”。画眼，一定要特别抓紧，不能与其他一切平均对待。主要的东西，可以强调、夸张，要避免面面俱到，应有尽有。竭力描写自己最感兴趣的，最主要的东西，才能引人入胜，打动人心。京剧表演家有三字诀，叫做“稳、准、狠”，狠就是要敢于强调最主要的东西，狠狠地表现。狠，取决于艺术家的感情。艺术创作，要像写情书那样充满感情。母亲的孩子，如果被人杀害，她会咒骂一辈子，这就是感情使然。艺术就怕搔不到痒处。

   艺术家不仅表现所见，还要表现所知和所想（自己的全部经验和传统知识，以及根据客观事物发展规律的推想）。中国古代艺术家，描写的《仙山楼阁图》，就是把最美的建筑，放在最美的环境里。这是艺术家，根据现实的想象，是现实主义和浪漫主义的结合。中国画家画黄山，绝不是站在某一个固定地点，取某一个固定的角度，画其眼所仅见。而是，全面观察理解以后，加以表现。好像是，站在黄山的上空。古人说：“以大观小”，也就是这个意思。石涛画黄山，曾将距离二里的“石虎”与“鸣骇泉”画在一起，题诗：“何年来石虎，卧听鸣骇泉”，这在艺术上是完全允许的。毛主席词：“千里冰封，万里雪飘”，绝不是站在某一固定的地方，能看到这么广阔的景致，而是融入了诗人的想象，这是和毛主席宽阔宏大的胸襟分不开的。中国画家画菊花，绝不止于表现菊花，而是寄托了画家自己的感情。山水画不是照片，也不是风景说明图。风景画，要比自然更美。从来人们说，“河山如画”，而不说“画如山河”。要建筑师来参考，我们所画的楼台亭阁。我有一棵图章，叫做“不与照相机争工”。画家比摄像师，有更大的创造的自由，应该充分利用这个条件。缝纫师给人们做衣服，不合身是最坏的，合身了还不够，还要使之能突出身体美丽的部分和隐藏丑的部分，这才是最好的缝纫师。画家对着自然景物作画，也是如此。风景写生，也可以叫做“对景创作”，对象只是创作资料，并非全部，呼之即来，挥之即去，可以十分之七根据对象，十分之三根据画面本身需要，脱离真实不对，完全依靠真实也不对。艺术，应比真实更高，更集中，更概括。形象，要真实与美统一。真实使人信眼，艺术性叫人感动。要运用自己的全部修养，把自然提高到更美的境界。

   构图设计好了以后，可以先拣最感兴趣的，最主要的东西画，一点点地加，一层层地加，加到适可而止。罗丹雕刻时，就是在石头上，逐渐地剥出一个人来，有时连手脚还没有剥出来，但感觉意境够了，就不再剥了。不要把什么都表现得很清楚，譬如我画“巫山渡头”，两边虚中间清楚，画中主要的东西就突出了。清楚是为了表现最精彩，最要强调的，含蓄是为了表现丰富；光清楚不含蓄不耐看，光含蓄不清楚又软弱无力，要把两者很好地结合起来，沈石田的画不含蓄，含蓄是和一览无余相对立的。京剧《平贵回窑》王宝钏出场时，薛平贵站在台上纹丝不动，古典戏曲中龙套不讲话，不动作，都是为了突出主体，画家要有这样的手段，一棵树可唱一出重头戏，深入观察，抓住细节，丰富它。相反，整座城市可以处理的很单纯，含蓄。单纯不等于简单，简单往往由于忽略细节，浮现掠影，观察不深入，深入观察房子也是有性格的。根据对象的特点，沿着对象的本质夸张，就付与了对象鲜明的个性。特点只能夸张，减弱了就平淡。

   山水画，要讲求明度。画前，要明确最亮的地方在哪里，最黑的地方在哪里。要在，整体中求明暗，局部无法决定明暗。明暗不完全取决于对象，更取决于主题。

   马思聪说，我的画黑是为了亮，说得很对。和对比相反的是，“对吃”或“对消”。几种东西，分量轻重一样，黑白明度一样，就达不到效果。画面无力的原因，常常在于此。整体感，是画家一辈子修炼的事。为了把握整体，画面时切忌一个局部画完了，才画另一个局部，要整体地画，整体地加。画山，首先要看大的形式，再看大的转折，不要零碎。大的转折不清楚时，要仔细找出它的脉络来。画山，要介于方圆之间，太圆会显得软。
   树的关系是，接若离。画树点叶要含蓄，不能太清楚，要在清楚中包含不清楚。一片树的处理。要介于具体与不具体之间，往往突出几棵主要的，会，显得既生动又无尽的感觉。
   远山远水远树的处理，越远越要小心经意，要在简单的笔墨里表现空间、距离，要有远的感觉，随便乱抹几笔不行的。八大山人的人物，不要太正，太正就无神态。

   （三）层次：

   画好山水画，在技法上，要过好两个关：线条和层次。层次关最难，因为山水画，往往要表现几十里的空间，层次问题就显得特别突出。这个问题，许多老国画家，也没有解决。层次问题解决了，才能达到深厚。没有那个大艺术家，不追求深厚的。艺术表现，总是要求“够”，要求充分体现自己的感受。正如写文章的目的，是为了充分地表达思想一样。剪裁、夸张、含蓄，提炼都只是一种手段，要深度需先画够。初学时，宁过之勿不及，画够了再加层次。不要怕碎，但要避免花。在碎的基础上，整理调子，整理的过程，就是加层次，也是整理主从关系。要逐渐加，一遍一遍地加，不是完全重复，要像印刷上套网纹没套准似的，而且最好是七八分干时再加。空间感，要有意识强调，处理远近物体的关系，要注意他们的交界处，略加强调地表现，不一定近浓远淡，要看对象和画面本身的需要。在艺术上，科学规律要服从艺术规律，使科学为艺术服务，不能因科学规律而损失艺术。

   （四）气氛：

   一幅画，要笼罩着一种气氛；有了气氛，画才能活起来。齐白石说：“笔笔相生，笔笔相因，”也是为了一张画的气贯连，气贯连才有力，才能生动。画人，并非画跑的人才生动，静止的就不生动，打盹也可以画的很生动，生动就是气要连贯。中国水墨画，从来讲究气氛。如说：“山中有龙蛇”，就是贯气，又说“苍茫之气”，“含烟带雨”，“挥毫落纸如云烟”，“试看笔从烟中过”等等，都含有这个意思。山水画中，留出适当的空白，亦有助于气氛的表现。

   （五）色彩

   色彩的意匠设计要决断，最怕犹豫不决。设计颜色，一定要考虑到画面本身的艺术效果，不能完全根据客观对象。水墨画的色彩宜单纯，变化不宜太大，经过设计突出一种调子作为基调。如，尽量渲染夕阳的红，雨后的绿，别的色彩可以压低，需要浓的可以尽量浓，需要淡的可以尽量淡，总以烘托意境增强表现力为根据。
   水墨画中，墨是主要的，要画够，明暗、笔触都要在墨上解决，着色只是辅助，上色时必须调的多些，切忌枯干，老画家说要“水汪汪的”，才有润泽的效果。

   （六）笔墨

   如能运用传统的现成的笔墨方法，充分地表现对象当然好，如果没有现存的办法，就取决于对象来创造。画家如有自己对对象的深刻认识和真实的感情，就会有所创造。

   一幅山水画的笔调要统一，一幅画和一曲音乐一样，要有统一的旋律。一种表现方法是一种旋律，或是粗放，或是秀美。不能单纯根据对象。譬如，画人物的用笔，要和画风景的用笔要统一，远景和近景的用笔要统一。如果人物画的工细，山石的笔调又很粗放，就不协调。有时候，表现对象仅用一种笔法，易于单调，如皴山，点叶，可以集中笔法掺和使用，但又要在多种笔法中求得统一。笔调色调本身，就代表一种情调。情调不仅包括具体部分，也包括抽象部分。有人排斥抽象部分，是不对的。抽象和具体相结合，情调就更鲜明突出。

   中国画讲究骨法用笔，墨中也要见笔，不能“合泥”，画雨景也要求见笔，见笔才有力，反对“浮烟账墨”，有人把纸打湿再画画是不好的，中国画不像水彩，不能单靠烘染解决问题，要求画到百分之八十再烘染。用笔还要求苍柔相济，苍而不润则干枯，润而不苍则无力。元人画画，很讲究干湿并用。
   线的最基本原则，是画得慢，留得住，每一笔要送到底，切忌飘，要控制得住。线要一点一点地控制，控制到每一个点。古人说：“积点成线”、“无漏痕”，都是这个意思。只有这样画线，才能做到细微、完美的表现对象，在一条线里解决许多问题。否则只是粗略的表现，正如拉胡琴的要善于控制住弓子，奏出的音乐才有丰富的内容和感情。声乐家控制自己的声音也是一样。中国画家，主要靠线条塑造形象，为了使任何一笔都富有表现力，力求每一笔都要代表更多的东西，就必须善于控制住线。同时，还要注意每一笔和整体发生联系。

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